King Crimson - In The Court Of The Crimson King (1969)

In The Court The Crimson King (1969)

Es difícil describir un disco tan importante como este, se dice que fue el primer disco de rock progresivo, es con este disco con el que Robert Fripp se presenta al mundo al mando de una banda que dejaría boquiabierto a todo aquel que la escuchara en cualquiera de sus discos, todo eso es In The Court Of The Crimson King (1969).

Es sorprendente lo distinto que suena la banda actualmente. Se dice que King Crimson es la banda con más reinvenciones dentro del mundo rock. Este disco marcó época en parte gracias al uso del mellotrón que por esos años era la vanguardia en instrumentos musicales. Además Fripp estuvo acompañado de nada más y nada menos que Greg Lake, así es, el mítico vocalista y bajista de Emerson, Lake & Palmer, pero en esa época obviamente ELP no existía aún.

21 Century Schizoid Man es el tema más potente del disco, el riff de la intro recuerda a Black Sabbath pero con un matiz jazz gracias al saxo, las voces de Lake aparecen con un fondo entrecortado, el tema muestra la tensión y locura que siente el hombre del siglo XXI. Luego ocurre uno de los quiebres más sorprendentes, el riff se va acelerando hasta convertirse en un jazz esquizoide. Es en esta sección en que Fripp nos da a conocer su manera de solear sacándole sonidos impensables a su instrumento, bastante experimental, buscando una melodía poco común, con la distorsión al máximo. Es perfecta la parte entrecortada en que Fripp y el saxo tocan a la vez. Al final el tema retorna al riff principal, para finalizar en una explosión de ruidos.
Este tema es el único de este disco que la banda toca regularmente.

I Talk To The Wind, uno de los temas más lentos, su inicio con flautas nos da un clima pastoril con una hermosa melodía. Epitaph, este sí es un tema depresivo, en donde se nota claramente el uso del mellotrón. Las letras claramente señalan "confusión será mi epitafio" en el coro; lo más trágico e impactante del disco, obviamente muy bien logrado.

Continuamos con Moonchild, es el tema más experimental, que comienza como una canción lenta, melancólica, para luego convertirse en una especie de improvisación libre, que no parece tener coordinación alguna, convirtiéndose así en la pieza más larga del LP. Le sigue a Moonchild la canción In The Court Of The Crimson King, el tema homónimo y conclusivo del LP, y uno de los más recordados del disco, posee aires épicos, principalmente por la letra y nuevamente, por la textura que le da el uso del mellotrón. El estribillo con los "ahh ahh" les da un aire aún más melancólico a la obra.

1. 21st Century Schizoid Man (7:21)
2. I Talk To The Wind (6:05)
3. Epitaph (8:47)
4. Moonchild (12:13)
5. The Court Of The Crimson King (9:25)

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Wolfmother - Wolfmother (2005)

Wolfmother (2005)

Hace ya más de treinta años, unos chicos de poco más de 20 años, con bastantes medios y mucho más talento, se reunieron en un estudio y le dieron una vuelta de tuerca a sus influencias bluesy. Lo que salió de ahí no tardó en llamarse hard rock, e incluso heavy metal por algunos. Estos chicos se hicieron llamar Led Zeppelin, en referencia a la contundencia del sonido de sus guitarras. Les siguieron otros de su generación, entre los que destacaban camaradas ingleses de los Zep como Deep Purple y Black Sabbath. Todo lo surgido en esta década a partir de ellos, es recordado como una de las eras del rock and roll más productivas, y ha marcado las vidas de generaciones venideras.

Dentro de éstas se encuentras 3 jóvenes australianos, que entusiasmados por evocar la contundencia de los viejos LP's de los 70's, formaron el grupo llamado Wolfmother y se pusieron manos a la obra. Grabaron un par de EP's, y consiguieron los medios y el apoyo suficiente para grabar en Los Ángeles, en el legendario Sound City, tan sólo un año después del nacimiento del grupo. Lo grabado aquí ya es historia reciente del rock and roll.

El disco se inicia con Colossal, perfecto título para un tema de estas características, con un riff inicial que incita a los músculos del cuello a iniciar un headbanging incesante. La primera referencia al escuchar el sonido de los australianos es sin duda Black Sabbath, casi por todo, la saturación de guitarras y bajos, el falsete de Andrew Stockdale y los contundentes arreglos que incluyen los cortes. Se suceden los temas y la base de su sonido sigue la misma, hard rock setentero saturado y épico, aunque se puede afirmar que Wolfmother no son una banda descaradamente retro. Los riffs Sabbtah con un pequeño sazón psicodélico denotan influencias stoner, así como los temas más blues del disco (Tales From The Forest Of Gnomes, Apple Tree), recuerdan a lo último editado por White Strypes. Incluso el timbre de voz del mencionado Stockdale tiene una gran semejanza con el Jack White.

El grupo lo completan el bajista Chriss Ross y el batería Myles Heskett. Sin llegar a ser virtuosos de sus respectivos instrumentos, los tres músicos se muestran muy compenetrados, siempre al servicio de la canción y no a lucimientos personales, que sería más lógico si hablamos de una banda con enfoque 70's.

Los solos de guitarra están obviados prácticamente en todo el disco, inclinándose por pasajes rítmicos y apoyándose en un Hammond que suena a delicia (Woman, Mind's Eye) e incluso una flauta traversa en el tema Witchcraft que señala directamente a Jethro Tull. Todo esto adornado con letras de temática épica, también muy utilizadas en los 70's, pero que en la actualidad se encontraban encasilladas y utilizadas por bandas de heavy metal melódico únicamente, constituyen el primer disco de Wolfmother, una verdadera joya del siglo XXI.

1. Colossal (5:04)
2. Woman (2:56)
3. White Unicorn (5:04)
4. Pyramid (4:28)
5. Mind's Eye (4:54)
6. Joker & The Thief (4:40)
7. Dimension (4:21)
8. Where Eagles Have Been (5:33)
9. Apple Tree (3:30)
10. Tales From The Forest Of Gnomes (3:39)
11. Witchcraft (3:25)
12. Vagabond (3:50)

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The Doors - The Doors (1967)

The Doors (1967)

Creo que poca gente o de corta edad será la que no conozca alguna canción o haya oído hablar del mítico grupo estadounidense The Doors. En todos sus discos se incluyen canciones que forman parte de la historia de la música, pero creo que sin duda de entre todas ellas destacan Break On Through (To The Other Side), Light My Fire o The End. Por eso he escogido este disco como el más imprescindible para tener una buena idea de cómo es su música más característica.

El disco The Doors (1967), titulado con el mismo nombre que adopta la banda californiana, sale al mercado en enero de 1967, convirtiéndose en su álbum debut. La discográfica encargada de su producción fue Electra/Asylum Records, con la que Jim Morrison, John Densmore, Robby Krieger y Ray Manzarek firmaron un contrato en 1966. Era una pequeña empresa dedicada sobre todo a la música folk. El productor fue Paul Rothchild, encargado también de la producción en los seis discos posteriores. El disco consta de once canciones, compuestas en su mayoría por Jim, aunque con algunas excepciones. Su idea principal al realizar las canciones era la de unir el rock con la poesía existencialista y simbólica (Rimbaud era el poeta preferido por ellos), mientras jugaban a incluir un improvisado teatro en sus representaciones en directo (lo que les valió la detención de Morrison por escándalo público).

La primera canción que aparece en el disco es la conocidísima Breal On Through (To The Other Side), canción que incita a romper con las ataduras de los convencionalismos sociales y pasar al mundo de la noche, las drogas y el placer. La canción ha sido creada por Jim Morrison, y es una excelente muestra de esa fusión de rock y poesía que caracteriza al grupo. El siguiente tema se titula Soul Kitchen, canción de tintes románticos en el que Jim quiere quedarse con su amante toda la noche, calentado por el fuego de su amor, para no perderse en la vorágine de la noche. The Cristal Ship es la tercera canción, dedicada a otra de las grandes pasiones de Jim, las mujeres. La canción concluye intentando llenar su barco de cristal con mil mujeres que representan para él miles de oportunidades de placer. Es un ritmo más lento, de balada, que al principio recuerda las grandes canciones del rock de los años 50's.

Twentieth Century Fox es una canción de letra provocativa en la que describe la actitud segura y resuelta de las mujeres de su época, aunque de un modo bastante despectivo al calificarlas de "zorras del siglo veinte". Continuamos con Alabama Song, cuyo ritmo asemeja las canciones de las ferias y el circo. La letra redunda en ese carácter de diversión, y gira en torno al alcohol y las mujeres (como no podría ser de otra manera). La sexta canción es la famosa Light My Fire, canción compuesta por Robby Krieger imitando el estilo de composición de Morrison. Fue el single que los precipitó a la fama ya que consiguió convertirse en su primer número uno, que se mantuvo durante tres semanas, y permaneció entre las cuarenta mejores canciones de los Estados Unidos durante catorce semanas. El tema principal de la canción es la pasión y el desenfreno, aderezado con una magnífica interpretación de la guitarra de Krieger.

La siguiente canción se titula Back Door Man, con ritmo de blues en la que Jim se declara "el hombre de la puerta de atrás", probablemente en alusión a su condición de amante que debe huir sin ser visto. El octavo tema es I Looked At You, breve canción en la que se describe cómo dos personas se enamoran la una de la otra sin remisión y sin vuelta atrás. La balada End Of The Night es una bella canción cuyo contenido narra la atracción del grupo por la noche, a la que cantan de forma dulce como si fuera una amante más, y a la que califican como "reino del gozo" y de "la luz". Take It Comes, la penúltima canción del LP, cuenta de que hay un tiempo para cada cosa, y que no hay que apresurarse, sino tomar las cosas tal como vienen. Un sabio consejo que desoyó su propio autor, Jim Morrison, al querer vivir demasiado deprisa (como tantos otros de su época).

En último lugar se incluye una de las canciones más conocidas y alabadas de los californianos, The End. En la fama de esta canción influyó notablemente su inclusión en la banda sonora de la película Apocalypsis Now (1979), film dedicado a mostrar los horrores de la guerra de Vietnam. Esta larguísima canción (de más de 11 minutos) trata el complejo de Edipo, dibujándolo mediante extrañas imágenes que parecen sacadas de una de las alucinaciones del músico. Cuenta la leyenda que, era la canción que estaba escuchando Morrison en el momento de su muerte, la madrugada del 3 de julio de 1971, como si hubiera tenido un presentimiento de la cercanía de su final.

1. Break On Through (To The Other Side) (2:28)
2. Soul Kitchen (3:33)
3. The Crystal Ship (2:34)
4. Twentieth Century Fox (2:33)
5. Alabama Song (Whisky Bar) (3:17)
6. Light My Fire (7:00)
7. Back Door Man (3:34)
8. I Looked At You (2:24)
9. End Of The Night (2:50)
10. Take It As It Comes (2:19)
11. The End (11:41)

*Bonus Track:

12. Moonlight Drive (Version 1) (2:42)
13. Moonlight Drive (Version 2) (2:31)
14. Indian Summer (1966 Vocal) (2:35)

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*Bonus tracks de su relanzamiento en el 2007 por el 40 aniversario del disco

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Humble Pie - Street Rats (1975)

Street Rats (1975)

Street Rats (1975) se creó al mismo tiempo en el que Marriott estaba produciendo lo que sería su primer disco en solitario, un álbum con la colaboración de Greg Ridley (bajista y compañero en Humble Pie). El líder de los Humble Pie no estaba interesado en la producción de otro disco de estudio para la banda ni realizar ninguna gira por los EE.UU de nuevo (ya que habían girado durante los últimos cuatro años).

Sin embargo, la discográfica (A&M Records) fue capaz de insistir para que los Pie realizaran otra gira y editara un nuevo álbum. A principios de 1975, la empresa, cansada de esperar el nuevo álbum, "confisco" material de Marriott que era en gran parte, material no destinado a Humble Pie, pero si para ser utilizado en su disco solista y para su proyecto en curso con Ridley. La discográfica además, ordeno que se mezclaran y cortaran las pistas para darle un sonido más pesado, todo esto sin el consentimiento de Marriott. Como si fuese poco, el título de Street Rats (1975) también fue ideado por los ejecutivos de A&M. No es de extrañar que los integrantes de la banda nunca quedaron satisfechos con el LP, con Greg Ridley declarando que "fue terrible", Clem Clempson en una entrevista dijo que "la mezcla fue realizada por alguien ajeno a la banda". Street Rat era una canción originaria de Marriott en colaboración con Ian Wallace (baterista de bandas como King Crimson, Yes, Bob Dylan, entre otros) y Tim Hinkley tocando el piano, que no tenía nada que ver con Humble Pie pero que alguien se había robado la mezcla.

El álbum presenta diferentes combinaciones en los EE.UU y en Inglaterra, en donde el tema Funky To The Bone sirve de remplazo en lugar de There 'This, Marriott declaró en una entrevista que la canción no tiene nada que ver con la esencia de Humble Pie. Cinco de las once canciones del LP son covers, Rain, We Can Work It Out y Drive My Car de The Beatles, Rock And Roll Music del legendario Chuck Berry y Let Me Be Your Lovemaker compuesta por Reid/Clark/Wright. Además de los covers, hay dos canciones escritas por Steve Marriott, Street Rat y Road Hog, y las tres restantes son colaboraciones entre los distintos miembros de la banda. Muy centrado con una base sucia de blues y rock haciendo alusión al titulo del álbum.

Tal vez lo más notable en este disco sean los cambios de estilo en las canciones de los Beatles, especialmente en We Can Work It Out, mezclando el blues y la música Soul en donde lo único reconocible son las partes mismas de la letra.

La última palabra con respecto al álbum la tuvo el bajista Greg Ridley quien dijo: "Humble Pie es mejor que eso, pero realmente no se nos consultó". Después del lanzamiento de este álbum y su gira de despedida, Humble Pie se disolvió, tomando diferentes caminos musicales. Marriott llegó a producir su primer disco en solitario editado en 1976.

1. Street Rat (2:48)
2. Rock And Roll Music (2:57)
3. We Can Work It Out (3:19)
4. Scored Out (2:37)
5. Road Hog (3:05)
6. Rain (3:55)
7. There 'Tis (3:03)
8. Let Me Be Your Lovemaker (5:56)
9. Countryman Stomp (2:18)
10. Drive My Car (3:39)
11. Queens And Nuns (3:04)

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The Beatles - Abbey Road (1969)

Abbey Road (1969)

Después de la triste experiencia de la grabación de Let It Be, un álbum con algunos buenos temas pero bastante irregular y con una excesiva producción de Phil Spector (los arreglos orquestales de The Long And Winding Road y Across The Universe no son precisamente muy buenos), The Beatles le propusieron a George Martin la grabación de un disco de despedida de alto nivel, el Abbey Road. También era una cuestión practica, tenían algunos temas en común, algunos por separado y querían olvidare del asunto y centrarse en sus incipientes carreras en solitario. Martin acepto, pero con la condición de que la producción y los arreglos serian controlados por él; todos estuvieron de acuerdo. El disco, en su totalidad es una maravilla, contiene una de las mejores canciones del grupo, Something, compuesta por George Harrison, y los siete primeros temas (lo cuento como si fuera un CD, no con las dos caras originales) son canciones completas y acabadas.

Pero a partir del séptimo tema empieza lo que para mí es la obra cumbre de los Fab Four, es una especie de suite de ocho temas inacabados o muy cortos que en algunos casos van ligados. Empieza por Because, un tema de Jonh Lennon que, según cuenta la leyenda, surgió cuando Yoko Ono estaba tocando unos acordes de Beethoven cuando John le pidió que los tocase al revés. Anécdotas aparte, es una lección de armonía vocal por parte de Lennon, McCartney y Harrison de altísimo nivel.

La siguiente canción, You Never Give Me Your Money es de McCartney y en ella se queja amargamente de los problemas financieros de la banda y de las ganas que tiene de empezar otra aventura musical. Es una canción con muchas partes e impecablemente tocada y cantada. Sun King, la siguiente, es de Lennon, una canción claramente incompleta, pero con unas melodías vocales preciosas.

Las tres siguientes, Mean Mr. Mustard, Polythene Pam y She Came In Through The Bathroom Window, van ligadas, las dos primeras son de John y la tercera de McCartney. En la primera se suceden compases de 4/4 y 3/4, una formula en la que Lennon era especialista, las letras de sus dos temas hablan de personajes de su Liverpool natal. En la tercera la letra es más extraña y surgió cuando un fan entro por la ventana del baño de su casa. Musicalmente las tres son más conjuntas y conforman el núcleo de la "suite".

Golden Slumbers y Carry That Weight también van magníficamente ligadas, la primera con unos muy buenos arreglos orquestales de Martin y la segunda con los cuatro Beatles cantando a la vez. La letra de la primera está inspirada en un poema de Thomas Dekker y la segunda es otro himno de despedida. Hacia el final de Carry That Weight se cantan unos compases de She Came In Through The Bathroom Window. El último tema, como no podía ser de otra forma, es The End, en donde hay el único solo de Ringo Starr y tres solos de guitarra de McCartney, Harrison y Lennon, la letra es muy corta y al final se resume perfectamente la historia del grupo y su significado para quien ha disfrutado de ella: "En el final, el amor que te llevas es igual al amor que entregas".

Pero los Beatles son los Beatles y como pioneros que han sido de muchas cosas, dejaron la última canción, apenas unos compases, después de 20 segundos de silencio llamada Her Majesty, con una letra bastante vitriólica en contra de la monarquía. La canción no estaba acreditada, convirtiéndose en la primera pista oculta en la historia de la música pop.

1. Come Together (4:19)
2. Something (3:02)
3. Maxwell's Silver Hammer (3:27)
4. Oh! Darling (3:26)
5. Octopus's Garden (2:50)
6. I Want You (She's So Heavy) (7:45)
7. Here Comes The Sun (3:04)
8. Because (2:45)
9. You Never Give Me Your Money (3:55)
10. Sun King (2:32)
11. Mean Mr. Mustard (1:06)
12. Polythene Pam (1:12)
13. She Came In Through The Bathroom Window (1:58)
14. Golden Slumbers (1:31)
15. Carry That Weight (1:36)
16. The End (1:29)
17. The End [Conclusion] (0:51)
18. Her Majesty (0:23)

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Polifemo - Polifemo (1976)

Polifemo (1976)

La dirección que estaba tomando el rock argentino a mediados de los 70's era hacia la música elaborada o bien música progresiva o sinfónica (bandas como Crucis o La Máquina De Hacer Pájaros), pero el rock and roll puro había mermado bastante, casi que había quedado en el pasado. La propuesta de Polifemo era precisamente rock and roll, el público y la prensa especializada no estuvieron de su lado, solamente se efectuaron algunos conciertos masivos donde los comentarios los hacían polvo.

Al ver a sus integrantes es imposible no decir que es un súper grupo del rock argentino. David Lebón en guitarra y voz (ese multinstrumentista que fuera parte de Pescado Rabioso, Pappo's Blues, Espíritu, La Pesada Del Rock And Roll y Color Humano), Juan Rodríguez (batero de Sui Generis) y Rinaldo Rafanelli (de Color Humano y Sui Generis). Un power trío que salió de la banda de apoyo de Sui Generis, algún tiempo antes de que esté se separaran, Lebón convocaría a los demás integrantes para formar un nuevo grupo, el que llevaría el nombre del famoso cíclope de la mitología griega. Como venía diciendo, la propuesta de Polifemo era básicamente hago rock and roll, ¿y qué? pero el público y la prensa no se lo permitió. Su simple Suéltate Rock And Roll, cuya letra no difiere mucho de cualquier letra que se oye hoy, pero en una década donde sólo se hablaba de experiencias metafísicas y la consustanciación con el cosmos, decir "No te preocupes nena, yo estoy muy bien así aunque esté tirado en la arena..." sonaba a chiste.

En su concierto de presentación en Luna Park de 1976 los acompaño en la primera guitarra Pappo y para la grabación de este disco los teclados estuvieron a cargo de Ciro Fogliatta (de Los Gatos). Con este disco, Polifemo planteaba la vuelta al rock and roll con un léxico más cercano a lo popular, convirtiéndose en la revelación del verano de 1976 con su tema Suéltate Rock And Roll. Lebón presenta temas iconos de su producción musical como Oye Dios Que Me Has Dado, Flotando o Tema De Los Devotos entre otros.

Es importante recatar la memoria de esta formación, esto se funda principalmente, y no sólo porque el sonido era mucho más que aceptable, y de gran calidad, sino porque tanto el estilo de Polifemo como el de Sui Generis de su tercer álbum, fueron las dos principales fuentes de lo que un tiempo no muy posterior fuera la banda argentina de rock que alcanzaría altos niveles de convocatoria masiva, y obviamente que estamos hablando de Serú Giran, donde confluirían el "Ruso" Lebón y Charly García, junto a Moro y Pedro Aznar.

1. Qué Hago Yo Aquí (4:50)
2. Doce Caras (4:21)
3. Tu Forma Real (9:36)
4. Vamos Al Campo (3:20)
5. Flotando (5:46)
6. Dueña Del Confort (8:13)
7. Tema De Los Devotos (6:50)

Bonus Track:

8. Suéltate Rock And Roll (3:33)
9. Vamos Tranquilos (3:35)
10. Oye Dios Que Me Has Dado (3:49)
11. Buzios Blues (5:24)

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Climax Chicago Blues Band - Tightly Knit (1971)

Tightly Knit (1971)

Es muy odioso tratar de escribir reseñas. Es realmente difícil plasmar con sólo palabras lo que uno siente y experimenta al oír un álbum y esto se ve potenciado especialmente si el disco en cuestión es uno de blues. Y como no me considero un crítico ni un experto en el tema voy a tratar de profundizar al respecto.

La primer cosa que uno se percata sobre el álbum es esa extraña cubierta echa por Storm Thorgerson (un diseñador gráfico británico, reconocido por ser miembro del grupo de diseño artístico Hipgnosis, en donde creó algunas de las más conocidas cubiertas de discos de la época. Por ejemplo, The Dark Side Of The Moon de Pink Floyd), la tapa no es precisamente uno de sus mejores trabajos, en mi opinión, pero la música es realmente lo que importa. Tras este cuarto álbum de la leyenda del british blues se esconde el último con ese claro y clásico sonido de los Chicago Blues Band. Después de los dos álbumes de blues progresivo (Plays On de 1969 y A Lot Of Bottle de 1970) Tightly Knit (1971) significó una vuelta a sus raíces bluseras y que además resultó muy bien.

Este LP puso de manifiesto la versatilidad de algunas canciones, como Little Link y Shoot Her If She Runs (con un fuerte sabor a country rock), nos podemos topar además con maravillosas pistas salvajes, como en el caso de St. Michael's Blues o Who Killed McSwiggin, lleno de improvisaciones y grandes solos de guitarra y saxo, que es un flash back a los anteriores dos discos. Un gran registro de un gran grupo, injustamente olvidado, pero que cobra vida en este blog.

1. Hey Mama (3:30)
2. Shoot Her If She Runs (3:33)
3. Towards The Sun (3:20)
4. Come On In My Kitchen (6:34)
5. Who Killed McSwiggin (5:00)
6. Little Link (1:35)
7. St. Michael's Blues (9:55)
8. Bide My Time (3:19)
9. That's All (2:11)

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Hacia Dos Veranos - De Los Valles Y Volcanes (2007)

De Los Valles Y Volcanes (2007)

Valles y volcanes debe ser el paisaje común que tuvieron en su adolescencia, en la provincia de Neuquén (Argentina), Ignacio Aguiló (guitarra) y Diego Martínez (bajo), los cerebros tras Hacia Dos Veranos. Ya después de escuchar su primer EP denominado, casi como una obra de teatro escoclar, Fragmentos De Una Noche Somnolienta (2005), es posible percibir que la conexión entre el sitio donde crecieron y la música que han terminado realizando supera el lugar común.

En honor a la verdad, Hacia Dos Veranos no se consume con la guitarra y el bajo de Aguiló y Martínez, siendo importante sumar al baterista Andrés Edelstein y la bonita aparición de la sonoridad de Julia Bayse en flauta. Todo esto, junto a unos efectos de guitarra que recuerdan sin querer a algunas bandas latinoamericanas de los 70's, redunda en uno de los discos más interesantes de los últimos años en Argentina.

Llama la atención encontrar un nuevo sentido en tres canciones que ya fueron parte del primer EP de la banda y que hoy, casi sin arreglos adicionales, suenan diferente en el contexto de un (qué añejo que suena el concepto) larga duración. Acordes medio lisérgicos, ausencia de lírica y fotografías polaroid nos llevan con fuerza a pensar en un pasado idealizado y difuso. Como unos Yo La Tengo (banda de indie rock estadounidense) introspectivos y con menos punk, los pasajes oníricos de este disco debut rememoran plazas y calles que ya visitamos en clave Galaxie 500 o los primeros Stereolab.

Es que hacer un disco conceptual a estas alturas para muchos puede parecer excesivo y pretencioso. Hacia Dos Veranos prefiere el riesgo de apostar a un ¿post rock? suave y melancólico donde, repentinamente y como espasmos de lucidez, se dejan llevar por algo más de ruido y suciedad que podría ser una interesante puerta para explorar nuevos caminos y texturas.

En definitiva, un disco para iniciados, que entrega continuamente pistas para acceder a los recovecos musicales de los de Neuquén, a sus siestas y paseos tranquilos, guitarra en mano, por valles cordilleranos. Un disco muy interesante, que sirve para proyectar la experimentación hasta plataformas de sonido con notas que parecen llevar inmisericordemente en búsqueda de una felicidad. O de algún tipo extraño de felicidad.

1. 24.00 (4:19)
2. Preludio (5:12)
3. Sueño (6:00)
4. La Última Tarde Del Apicultor (4:16)
5. Maleficio (6:16)
6. Orillas De Aluminé (2:35)
7. Despertar (1:56)
8. De Los Valles Y Volcanes (9:33)
9. Verano (3:32)

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Grand Funk Railroad - Grand Funk (1969)

Grand Funk (1969)

Pocos grupos como Grand Funk Railroad lo tuvieron tan definido y claro, tocar rock. Quizá por eso al final les pasó como a otras grandes bandas, pasarse al sonido comercial, y se acabó, al menos para sus seguidores más puros, los rockeros de siempre.

Pero volvamos a lo bueno, el principio, año 1969, tres hombres peludos cada uno con su instrumento musical en las manos y ganas de hacer algo grande, y un cuarto (Terry Knight) con la cabeza poco amueblada pero con la valentía de poner a sus colegas a tocar ante 125.000 almas en el Atlanta Pop Festival, y de ahí a la gloria. Probablemente el momento no fue ideal, ya se habían consagrado Cream, Jimi Hendrix y estaban gestándose verdaderas bombas como Led Zeppelin y Black Sabbath, pero en los Estados Unidos eran ellos quienes lideraban y movían multitudes.

On Time (1969), su disco debut fue muy bien recibido por el público, con varios temas para la historia, T.N.U.C., Into The Sun o Heartbreaker, y un comienzo premonitorio, Are You Ready. Su segundo LP llamado Grand Funk o Red Album como se lo conoce, y el que nos interesa en estos momentos. Un disco muy potente, quizá por su fuerza desaforada y la ausencia casi total de medios tiempos para relajarse (está más que claro que éstos tipos no querían hacer baladas). Salvo tal vez Winter & My Soul. Y es que era el segundo disco grabado en casi 5 meses (el primero en Junio y éste en Octubre del 69) y eso se nota, música que brota a borbotones. Para qué comentar los temas, todos bestiales y redondos, de buen minutaje para sus partes instrumentales de rigor.

Simplemente hard rock del mejor, donde se siente perfectamente toda la fuerza de un verdadero power trío, basta con empezar a escuchar las primeras notas del tema que abre este LP, de la mano de Got This Thing On The Move, en donde Grand Funk empieza a liberar toda la furia contenida que te hace volar los sesos, es que acabamos de chocar con un verdadero muro sonoro, y esto recién es el principio, ni que decir de piezas como Please Don't Worry, High Falootin' Woman, Mr. Limusine Driver, In Need (tremendas sus versiones en directo, simplemente eran una aplanadora en los escenarios), Paranoid, un clásico desaforado, terminando con Inside Looking Out, un cover de The Animals de casi 10 minutos de ejercicios musicales, como para quedarse a gusto.

Luego más discos bastante buenos, a destacar We're An American Band (1973), con Todd Rundgren a la producción, cosa que más tarde intentaría Frank Zappa, con menos resultado, en Good Singin', Good Playing' (1976).

Cuenta la leyenda que los Grand Funk fueron teloneros de Led Zeppelin en Detroit y la reacción del público fue tan intensa durante el concierto de la banda que el manager de los Zeppelin, Peter Grant, corto la energía eléctrica, impidiendo que los Grand Funk terminasen la canción que estaban tocando. Como si esto no fuese bastante, Grant agarró a Terry Knight por el pescuezo y ordenó que la banda fuese retirada del palco inmediatamente. Pero Terry como no podía ser de otra manera, se dirigió calmadamente al palco, pidió a la banda que parase de tocar, y frente a todo el público allí presente soltó la memorable frase: "Los Led Zeppelin tienen miedo de los Grand Funk Railroad". Todo el estadio enloqueció, y la banda abandonó el palco, ovacionada por el público. Cuando los Zeppelin subieron para tocar, la mitad de las personas se habían largado. Algo semejante ocurrió en el concierto de Cleveland, por lo que, los Grand Funk fueron despedidos del Tour, y nunca más volverían a ser invitados a tocar en el mismo festival que Led Zeppelin.

1. Got This Thing On The Move (4:39)
2. Please Don't Worry (4:19)
3. High Falootin' Woman (3:02)
4. Mr. Limousine Woman (4:22)
5. In Need (7:56)
6. Winter And My Soul (6:39)
7. Paranoid (7:50)
8. Inside Looking Out (9:35)

Bonus Track:

9. Nothing Is the Same [Demo] (5:38)
10. Mr. Limousine Driver [Extended Version] (5:28)

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Badfinger - No Dice (1970)

No Dice (1970)

La historia de Badfinger es la prueba de que la crónica del rock es una crónica con muchas sombras, con muchos nombres que se quedaron en el camino. A finales de los 60's unos Beatles a punto de disolverse idearon una compañía discográfica, Apple Records, con la que planeaban descubrir nuevos talentos y lanzarlos al estrellato, el proyecto, como otros tantos que idearon en aquellos años resultó siendo un fracaso comercial, demostrando que los cuatro magníficos de Liverpool eran mucho mejores músicos que empresarios.

Uno de los primeros grupos en firmar con Apple, y uno de los más exitosos en la breve carrera de la compañía fue Badfinger, un grupo formado por Pete Ham en 1965 que, inicialmente como The Iveys, llamaron la atención de Paul McCartney quien los contrató para grabar un primer disco que recibiría el nombre de Maybe Tomorrow (1969). El fracaso comercial de este primer disco llevó a varios cambios en la formación de la banda y a la adopción del definitivo nombre de Badfinger tomando una estrofa de With A Little Help From My Friends de The Beatles. La formación clásica de Badfinger, con Pete Ham, Joey Molland, Tom Evans y Mike Gibbins era un combo curtido ya en multitud de bandas con unos gustos musicales que iban del rock americano más rítmico al elegante pop de finales de los 60's, con, por supuesto, The Beatles a la cabeza.

No Dice (1970) fue el segundo disco como Badfinger para Apple, publicado en 1970, supuso un notable éxito para la banda y una rentable fuente de ingresos para la compañía que ya mostraba sus primeras incongruencias financieras. Aunque Pete Ham fue el compositor inicial y cantante de The Iveys, poco a poco el resto de los miembros de la banda se fueron revelando también como excelentes compositores y músicos al tiempo que Badfinger ganaba día a día consistencia, curtiéndose en múltiples proyectos paralelos con George Harrison o John Lennon. No Dice (1970) es un inmejorable cocktail de hard rock y brillantísimas melodías pop, con al menos tres temas absolutamente redondos e incontestables, I Can´t Take It, No Matter What y Without You, la canción más famosa de Badfinger, que fue popularizada posteriormente por Harry Nilsson y después por Mariah Carey, pero como la original, nada. Una balada romántica, elegante, acompañada por un mullido colchón acústico y leves pinceladas eléctricas. La melodía de simplemente de cinco estrellas. La interpretación emotiva, cargada de sentimiento. Una canción muy especial, que quizá no merezca más fama que otras de este disco, pero que no por eso deja de ser una de las grandes baladas del rock.

En este LP encontramos además canciones que oscilan entre el folk de I Don't Mind y el country de Blodwyn completando un disco realmente brillante que conformó a Badfinger como uno de los mejores grupos de su tiempo, recuperando la contundencia del rock and roll primigenio al servicio de las melodías pop más inspiradas.

Tras publicar varios brillantes discos en Apple, eclipsados casi siempre por la alargada sombra de los Beatles el grupo se vio sacudido por los problemas que ya empezaban a desmembrar la compañía discográfica y terminaron recalando en la Warner donde los problemas financieros, legales y personales continuaron, culminando con el suicidio en 1975 de Pete Ham y posteriormente con el de Tom Evans en 1981. Por encima de la leyenda negra que envuelve a Badfinger quedarán siempre las vibrantes, poderosas, enérgicas y vitalistas canciones que el grupo compuso en su breve e intensa carrera, unas canciones y un legado que sigue estando plenamente vigente.

1. I Can't Take It (2:57)
2. I Don't Mind (3:15)
3. Love Me Do (3:00)
4. Midnight Caller (2:50)
5. No Matter What (3:01)
6. Without You (4:44)
7. Blodwyn (3:26)
8. Better Days (4:01)
9. It Had To Be (2:29)
10. Watford John (3:23)
11. Believe Me (3:01)
12. We're For The Dark (3:55)

Bonus Track:

13. Get Down (3:46)
14. Friends Are Hard To Find (2:32)
15. Mean Mean Jemima (3:43)
16. Loving You (2:53)
17. I'll Be The One (2:54)

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